A produção têxtil de Frida Bell reúne geometria, cor e matéria em tapeçarias desenvolvidas ao longo de mais de uma década. Neste ensaio crítico, Marisa Melo analisa as relações entre formas geométricas, intensidade cromática e diferentes tratamentos do fio, situando a pesquisa da artista no contexto da crescente valorização da arte têxtil contemporânea.

A exposição Miró: Mestre das Formas, no MAB FAAP, em São Paulo, apresenta 140 obras de Joan Miró e propõe um reencontro com um dos grandes nomes da arte moderna. A mostra abre espaço para uma reflexão sobre a permanência do modernismo europeu na programação cultural brasileira, a formação do repertório artístico do público e os caminhos que aproximam a história da arte das questões e linguagens encontradas na produção contemporânea.

A representação de um artista por uma galeria envolve muito mais do que vendas e participação em exposições. A partir de trinta anos de experiência no mercado de arte, Marisa Melo analisa o trabalho diário por trás da construção de uma carreira, os critérios para escolher artistas, a importância do posicionamento no mercado e os riscos da busca por resultados imediatos. Uma reflexão sobre o que artistas e galerias precisam considerar antes de iniciar uma relação profissional.

Quem decide o que é arte? A partir da SP-Arte Rotas 2026, a curadora Marisa Melo analisa como artistas, galerias, curadores, instituições, críticos e colecionadores participam da construção de reconhecimento na arte contemporânea. O artigo discute Marcel Duchamp, formação do olhar, repertório, legitimação, mercado de arte e os critérios necessários para avaliar uma obra além da preferência pessoal.

Dovunque Al Mondo, obra de Júlia Dalcastagné apresentada na exposição individual Estranhas Familiaridades, na UP Time Art Gallery, investiga identidade, relações familiares e as expectativas criadas pela semelhança entre pessoas de uma mesma família. Neste ensaio crítico, Marisa Melo analisa o corpo com duas cabeças, os grandes olhos característicos da artista e a estranheza que define sua pesquisa pictórica contemporânea.

Nesta entrevista, Mônica Ruggiero compartilha o percurso que consolidou sua linguagem artística, refletindo sobre a relação entre Arquitetura e Artes Visuais, a construção de uma pesquisa autoral e o desenvolvimento da série Ancestralidade. A artista aborda seu processo criativo, a importância do desenho, do caderno de artista e da investigação contínua como fundamentos da pintura contemporânea, revelando como autonomia, método e pesquisa estruturam sua produção visual.

Lenny Hipólito apresenta a mostra Inventário e Vestígio no Modernos Eternos BH 2026, evento que reúne arquitetura, design e arte contemporânea na centenária Escola Estadual Pedro II, em Belo Horizonte. Com curadoria de Marisa Melo, a mostra reúne pinturas em óleo sobre tela desenvolvidas por meio do pontilhismo para investigar a memória sensorial, propondo uma reflexão sobre os registros que visão, tato, olfato, audição e paladar acumulam ao longo da vida.

A cultura representa entre 2,5% e 2,8% do PIB brasileiro, segundo o Observatório Itaú Cultural. Apesar disso, milhares de artistas ainda acreditam que não é possível viver de arte. O problema não está na falta de demanda, mas na ausência de estrutura, planejamento e estratégia de inserção.

Magdalena Abakanowicz e Sheila Hicks estão entre os nomes mais importantes da arte têxtil contemporânea. Nascidas em contextos históricos distintos, transformaram fibras, tecidos e tramas em linguagens capazes de ocupar o espaço, dialogar com a arquitetura e ampliar os limites da escultura. Este artigo analisa suas trajetórias, principais obras e a influência exercida sobre a valorização da arte têxtil em museus, bienais e exposições internacionais.

O que uma forma comunica quando deixa de representar algo reconhecível? Este ensaio investiga o papel da forma na escultura contemporânea e analisa como volumes, superfícies, vazios e relações espaciais continuam produzindo respostas no observador. Em um cenário marcado pela circulação acelerada de imagens, a escultura mantém uma experiência baseada no tempo, no deslocamento do corpo e na percepção do espaço.

O que acontece com a cor quando ela deixa de depender dos pigmentos e passa a ser produzida pela luz? A partir do pensamento de Vilém Flusser, este ensaio investiga como telas, dispositivos digitais e a circulação contínua de imagens transformaram nossa relação com a cor. O texto analisa os impactos dessa mudança na pintura contemporânea e discute como novas condições visuais alteram a percepção, a produção artística e a cultura visual.

A arte efêmera desafia tudo o que o mercado tradicional espera de uma obra: permanência, objeto, posse. Instalações desmontadas, performances únicas, trabalhos feitos de materiais que se dissolvem. O que fica quando a obra desaparece? Neste artigo, Marisa Melo analisa como artistas como Lygia Clark, Hélio Oiticica e Felix Gonzalez-Torres construíram legados sem depender do objeto permanente, e o que isso significa para colecionadores e artistas hoje.

Texto crítico sobre a pintura de Maya Veronese, artista jovem já reconhecida por exposições e premiações. A obra apresenta uma paisagem construída por pinceladas abertas, cor intensa e matéria aparente, em diálogo com referências do impressionismo e da pintura de Claude Monet. Realizada após sua participação no Art Battle em Sydney, a tela revela uma relação direta com a construção da imagem, com destaque para o uso da cor, da luz e da movimentação da tinta sobre a superfície

A inteligência artificial recoloca em pauta uma questão antiga da arte, a autoria. Entre Walter Benjamin e Michel Foucault, o texto analisa como a produção por IA desloca a ideia de originalidade, intenção e assinatura. Em um cenário onde imagens podem ser geradas sem origem definida, o valor da obra retorna à decisão consciente do artista, à construção de linguagem e à singularidade do gesto.

O renascimento da fotografia analógica revela uma mudança no modo como produzimos e consumimos imagens na era digital. Entre filmes fotográficos, câmeras analógicas, processos de revelação e fotografia em preto e branco, o artigo investiga por que o analógico voltou a ocupar espaço na arte contemporânea, na moda e na cultura visual. Uma reflexão sobre tempo, matéria, imperfeição e a recuperação de uma experiência fotográfica mais lenta e física.

Texto crítico de Lenny Hipólito reflete sobre a influência de Claude Monet na pintura contemporânea e analisa como a luz, a cor e a matéria pictórica se transformam em linguagem artística. Inspirada pelo impressionismo, a artista desenvolve uma pesquisa autoral baseada no pontilhismo e na densidade cromática, criando superfícies tridimensionais onde a tinta se torna volume e a luz estrutura a composição. O ensaio estabelece um diálogo entre tradição e criação contemporânea na

O que uma obra sabe que o artista não sabe? A partir do pensamento de Hans-Georg Gadamer, este ensaio investiga como pinturas, livros e esculturas continuam produzindo sentidos depois de concluídos. Ao discutir autoria, interpretação e experiência estética, o texto examina a autonomia da obra de arte e a forma como cada encontro com o público amplia sua leitura ao longo do tempo.

A certificação e a due diligence desempenham papel fundamental no mercado de arte contemporâneo. Certificados de autenticidade, proveniência, histórico expositivo e documentação permitem verificar autoria, propriedade e trajetória das obras. Este artigo analisa como esses instrumentos contribuem para reduzir riscos, aumentar a transparência das negociações e fortalecer a circulação de obras em coleções, galerias, instituições e no mercado internacional.

O que o olhar ainda pode ver, reflexão sobre o poder da atenção e o papel do olhar na arte contemporânea. Entre filosofia e criação, o ensaio investiga como o ver se torna forma de pensar, explorando o intervalo entre observação e compreensão. Um texto que aproxima a experiência estética da lucidez e do tempo, propondo um modo mais consciente de olhar o real.

A arte contemporânea transformou os critérios que durante séculos orientaram a produção artística. Partindo de Marcel Duchamp e de sua obra Fountain, este artigo analisa como a arte passou a questionar seus próprios fundamentos, incorporando novas linguagens, formatos e temas. Performance, instalação, fotografia, arquivo e práticas interdisciplinares ampliaram o campo artístico e redefiniram a relação entre obra, discurso e experiência estética.